Este es un espacio dedicado al arte y a la arquitectura de todos los tiempos y en todas sus facetas.... Bienvenidos!!!

El arte, desde la mirada del dadaísmo

Texto extraído del articulo ¿Alguien sabe qué es el arte? de Marta Zatonyi

Desnudo bajando por la escalera de Marcel Duchamp (1912)

" Las fronteras entre el sublime, lo orgánico, la locura, y los permanentes embates contra el mismo lenguaje, no son sólo horadadas sino también móviles, sinuosas, imprevisibles.

El dadaísmo deambulaba, con violencia, entre estos factores. Su programa era experimentar este costo, mientras su estética se basaba sobre la permanente provocación y agresión, sus propuestas se caracterizaban por actitudes ilógicas y absurdas, constituyendo una manera de ser provocativa, amalgamada de tonos lúdicos y sarcásticos. Pero detrás de estos modos y actitudes tan particulares, erguían el enojo y el pánico. Los dadaístas fueron los asustados y enfadados hijos de la guerra y de un camino una vez construido con fe y confiado como proyecto, pero que finalmente condujo a terribles calamidades. Si bien este movimiento se expandió de su nativa Europa y fue adaptada en otras latitudes también, tiene voz propia sólo donde había guerra o donde se afincaron los que huyeron de ella.

No había sagrado que valga. Todo cayó bajo el piquete demoledor de su sarcasmo y de su furia. Todo sobre lo que supusieron justa o injustamente que podía haber sido partícipe de aquella situación demencial que era la guerra. En este caso de nuevo surge el peligro de atravesar los límites que se trazan entre la cultura, sus leyes, sus grandes aciertos y sus grandes errores (considerando que la cultura es todo aquello que el hombre creó, construyó, inventó) y lo real natural, sea interno o externo del humano.

Mientras aquellos artistas y teóricos, guiados por la ira destructora y por el odio de la desilusión, con justa razón se arremeten contra el arte cuyo objetivo es ocultar la tragedia por una belleza hipócrita y vacía, y trocar el compromiso humano por el delirio de la grandeza, esta misma desesperanza puede ser un caldo de cultivo de una renuncia esterilizadora.”

Las innovaciones dadaístas se posesionan en esta frontera tan frágil y peligrosa entre nuestro mundo y lo que ya es sólo y exclusivamente pulsional y orgánico, los actos públicos, los gestos creativos.

El gran valor de su estética y del conjunto de su obra reside en que a pesar de esta contingencia y amenaza inherente, habían logrado reencauzar su creación hacia nuevos horizontes artísticos e ideológicos. ¿Quién podría pensar en el arte contemporáneo sin este peligroso y sorprendente accionar del dadaísmo? "

Premio de Arquitectura Pritzker 2010

Esta vez le toco al estudio de arquitectura japonés SANAA, fundado por Kazuyou Sejima y Ryue Nishizawa en el año 1995 en Tokio, la capital japonesa.

Ambos arquitectos, tienen una trayectoria internacional en su producción arquitectónica, contando con algunos ejemplos importantes como ser: Proyecto Centro Comunitario Rolex, Lausana, Suiza; Pabellón del Vidrio en el Museo de Arte de Toledo, Toledo, EE. UU; Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York; Proyecto Propuesta para la Recuperación del Centro Histórico de Salerno; Proyecto Lumiere Park Café, Almere, Países Bajos; Proyecto Centro de Arte Contemporáneo en Roma, Roma, Italia; Tienda Issey Miyake, Tokio, Japón; Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI en Kanazawa; Proyecto Ampliación del Instituto Valenciano de Arte Moderno.

Estos dos últimos proyectos, permitieron a SANAA ganar el León de Oro por la obra más significativa de la 9ª Bienal de Venecia en el 2004.





[Proyectos de SANAA]

El premio Pritzker es el más prestigioso de cuantos se conceden a la trayectoria de un arquitecto.

Lo otorga la Fundación Hyatt y fue creado en 1979 por los Pritzker, una acaudalada familia de Chicago propietaria de la cadena de hoteles Hyatt. Los premiados reciben $100.000 dólares, un certificado formal de la citación, y desde 1987, un medallón de bronce.
Cuenta entre su larga lista de miembros del jurado, con figuras estelares del mundo de la arquitectura, muchos de ellos ganadores del Pritzker en pasados años como ser, Kevin Roche, Fumihiko Maki, Ricardo Legorreta, Frank Gehry, Shigeru Ban, Arata Isozaki, Cesar Pelli y Renzo Piano. Este último, fue parte del jurado calificador que llevó a SANAA a llevarse el honrado premio de la arquitectura para el presente año.
Para conocer más sobre los premios Pritzker y sus pasados ganadores, visita la página de El Poder de la Palabra: http://www.epdlp.com/premios
Fuentes:









La mujer en el Arte



por Philip Scott Johnson

500 Years of Female Portraits in Western Art

Musica: Bach's Sarabande from Suite for Solo Cello No. 1 in G Major, BWV 1007 performed by Yo-Yo Ma

Los buchi de Lucio Fontana

“Cuando Fontana convierte al cuadro en un campo de color y luego lo raja con un corte neto, demuestra que el signo (el corte) es incompatible con una delimitación del espacio: fuera y dentro, más aquí y más allá del cuadro. Hay, sin embargo, un aspecto operativo de la máxima importancia: Fontana no se contenta con señalar el signo, sino que lo actúa, pues raja realmente la tela con un corte que tiene la medida adecuada y se practica en el punto adecuado. Con este acto proporciona al campo una dimensión tan precisa como el espacio.”… ”Dado que ese gesto – signo es el único que determina un espacio en la vaguedad del campo, de ello se deduce que, sin la presencia colateral e independiente del artista, la producción industrial carece de una trascendencia cognoscitiva. Fontana reivindica para el artista la prerrogativa de la invención en la época del progreso tecnológico. “

Es de esta manera que Argán describe la obra de Lucio Fontana, el artista nacido en Argentina y radicado posteriormente en Milán (Italia) y quien en 1949 trabajó sobre un papel blanco, de forma cuadrada y un metro de lado, perforando la hoja por el reverso con numerosos agujeros centrados en la hoja y que se extienden sobre la superficie, en formas circulares y espirales irregulares. Con una iluminación lateral, proyecta sombras sobre la superficie del cuadro.


Fontana consideraba el papel no como un elemento bidimensional, sino como un material plástico de posibilidades espaciales a las que consideraba dignas de investigar, llamando a todas sus obras concetto spaziale (concepto espacial) entendiendo que todas estas obras, se manejan con el descubrimiento de Fontana; los buchi (agujeros).

De este modo cumplió una expectativa en la evolución del arte moderno, formulando en 1946 en colaboración con sus estudiantes el “poderse liberar de la herencia del Renacimiento”, entendiendo esta herencia como el sinónimo de la representación ilusionista del espacio por medio de la perspectiva, la abertura de la superficie del cuadro significa crear un espacio continuo entre el espacio del observador y el del cuadro.

En los años posteriores, Fontana perfecciono la idea de perforación de la superficie con distintas variantes; agujeros de diferentes tamaños, ordenados o no, hechos en el reverso o en el anverso de la hoja, incluyendo puntillas o lentejuelas e inclusive cambiando el soporte de papel por uno de lienzo. De todas maneras, siempre afirmo que estas variantes eran para el público, las incisiones para él, hubieran bastado simplemente.

Su obra a lo largo de su vida, se vio identificada por diferentes grupos de obras, caracterizados por las acciones que imponía al material. En la serie pietre empleó piezas de vidrio de color para reforzar espacialidad y el efecto de la luz sobre las superficies. Los barocchi fueron relieves pastosos.

En otoño de 1958, realizo por primera vez tajos sobre papel para después llevarlos a un lienzo, a los cuales llamo attese y que en lo sucesivo adoptaron el nombre de tagli: Fontana aplicaba primero varias capas de pintura y aplicaba los cortes sobre la pintura húmeda. Con una gasa negra colocada tras las incisiones, intentaba representar el vacio: “cuando la humanidad acepta la idea de la infinitud, ya ha aceptado también la idea de la nada”.

Consideraba y afirmaba que el espacio era el signo del vacío, aludiendo a las galerías de arte donde se exponen y venden cuadros. Ante la pregunta de cómo poder representar la obra de arte más como una idea que como una obra para vender, Fontana presentó su ambiente de Kassel, que expresaba acertadamente la situación general del arte hacia 1967, cuando la obra de arte en calidad de mercancía, se convirtió en un tema de discusión. Así a mediados de 1960, Fontana se dedico a una digresión sobre sus ambienti spaziali; instalaciones laberínticas, que invitan a recorrer sus espacios, similares a ambientes teatrales.


Describir la vasta obra de Fontana no resulta nada fácil, más aun entender su idea sobre el arte. Los buchi, tagli y ambienti entre otros, fueron sus propias maneras de expresar el arte mas allá de lo comercial. Para él, el arte sin duda era metafísica pura, con pura dimensión intelectual, como el afirmaba.

Fuentes:

- ARGAN Giulio Carlo, El arte moderno del Iluminismo a los movimientos contemporáneos, Ediciones Akal, Arte y Estética 27, Madrid, 1998, (1991)

- HESS Barbara, Lucio Fontana 1899-1969, "Un hecho nuevo en la escultura", Taschen, 2006